Hallo vrienden, en welkom terug bij Mistaken Each Time. Ik heb onlangs een verzoek ontvangen om een ​​soort ‘sakuga-artikel’ te schrijven, dat wil zeggen een artikel dat op de een of andere manier related is voor de voorbeeldige individuele animaties die wij anime-getrouwen ‘sakuga’ noemen. Dit heeft bij mij tot enige consternatie geleid, aangezien ik mezelf over het algemeen niet als bijzonder bestudeerd of goed geïnformeerd beschouw als het gaat om het specifieke vak van animatie in abstracte zin. Ik weet genoeg om te beschrijven waarom een ​​fragment voor mij suggestief of impactvol aanvoelt, maar mijn specialiteiten zijn in de eerste plaats schrijfgerelateerd, gevolgd door filmische techniek, gevolgd door animatie.

Desalniettemin ben ik tot een onzeker inzicht gekomen over het feit dat als mensen willen dat ik iets schrijf, ze over het algemeen ontvankelijk zullen zijn voor iets dat met mijn stem wordt geschreven, vanuit mijn eigen perspectief. En ik kan zeker vertellen hoe animatie mij heeft gemaakt gevoelhoe ik de verschillende traits in moderne animatie beschouw, en welke animaties voor mij het belangrijkst zijn geweest. Sterker nog, ik zou zeggen dat er zeker ruimte is voor meer bewondering voor veel stijlen van briljante maar ondergewaardeerde facetten van animatie, vooral gezien de algemene traits van anime-fandom.

Wanneer de meeste followers aan ‘sakuga’ denken, denken ze waarschijnlijk aan actieonderbrekingen – die woeste sequenties uit Jujutsu Kaisen of One Punch Man of zelfs Neon Genesis Evangelion, waarin titanenfiguren worden afgebeeld in een wanhopig, gewelddadig battle. Actie wordt vaak voorgesteld als de standaardvector voor geanimeerde uitmuntendheid, vanwege zowel de inherent actiegerichte fascinaties van het medium als het simpele feit dat actie drama is dat door beweging wordt gecreëerd, en daarom een ​​excellent voertuig is voor het vertellen van verhalen in een medium waarvan grondbeginselen worden gedefinieerd door woordeloze beweging. Followers oriënteren zich ten opzichte van hun favoriete personages through de methoden van die personages om hun kracht op de wereld uit te drukken, en de opwinding om de gratie en kracht van een favoriet personage tot uitdrukking te zien komen in prachtige tekeningen is inderdaad een geweldige sensatie.

Maar we hebben genoeg deskundige mensen binnen het fandom die de actiescènes van topanimators prijzen – verdomd, zelfs mijn eigen artikel over de animatie van Akihiro Ota was grotendeels gecentreerd rond zijn benadering van actiescènes. Daarom wil ik vandaag dat perspectief een beetje verbreden en onderzoeken hoe animatie op unieke wijze effectief kan zijn bij het verwoorden van andere soorten emotioneel drama. De gelijktijdige precisie en variabiliteit van vorm van animatie, het vermogen om precieze particulars van visuele nuance huge te leggen en dergelijke particulars te verbinden aan overdreven, melodramatische veranderingen van het karakterontwerp, betekent dat het op unieke wijze effectief is in het weergeven van een uitgebreid scala aan ervaringen, waarbij zowel de kleinste, memorabele particulars tot uiting komen. en persoonlijke, gevoelde ervaring van vrijwel elk second dat je maar kunt bedenken. Laten we vandaag een paar van die momenten vieren.

Eén stuk: Luffy’s wanhoop (Ryo Onishi)

In een franchise die onlangs werd gekenmerkt door buitengewone prestaties op het gebied van actie-animatie, blijft mijn favoriete versie Ryo Onishi’s weergave van Luffy’s wanhoop na het verlies van zijn bemanning. Het sleutelconcept dat hier wordt overgebracht is ‘kracht en passie zonder uitlaatklep’, en Onishi vat dat excellent samen en zet zichzelf neer als een antagonist die Luffy niet kan hopen te verslaan. Onregelmatige verschuivingen in energie worden vastgelegd door minimale bewegingen, alsof Luffy balanceert tussen zichzelf opvoeren en in wanhoop vervallen – een distinction dat belichaamd wordt door het second waarop hij tegen de grond probeert te racen voordat hij struikelt en valt, om vervolgens te testen of zijn schedel kan de aarde breken.

Dit alles komt overeen met het overbrengen van de gruwel waar de afgelopen afleveringen van One Piece naar wezen: de daling in je maag als je beseft dat al je inspanningen niet genoeg waren, dat dit het einde van de rij is, en dat geen enkele wanhopige truc of onderhandeling je kan helpen. geef terug wat je is afgenomen. Het gebrek aan karakterschaduwen en een vlakke achtergrond versterken het impact alleen maar, waardoor Luffy wordt gepresenteerd als een onverbloemd vat, zo jongensachtig en zwak als hij ooit is geweest. Als ik aan ondenkbaar verlies denk, in al zijn lelijkheid en zelfvernietigende ontkenning, denk ik aan Onishi’s prachtige verwoording van Luffy’s ooit imposante, nu kwetsbare lichaam dat zinloos tegen de aarde slaat.

Geluid! Eufonium: Kumiko Sterrenstruck (Konijn Hane)

Een voor de hand liggende keuze, dat weet ik, maar moeilijk te verslaan als het gaat om uitingen van een emotionele, gevoeld ervaring puur door middel van animatie. Het is gemakkelijk om te zeggen dat iemand volledig verblind is door de aanwezigheid van iemand anders, of om de uitdrukking van die persoon weer te geven nadat hij zo verblind is, maar het is veel moeilijker om daadwerkelijk de betekenis ervan onder woorden te brengen. ervaring van dat second, om in je beelden de sensatie te verankeren die de emoties van het personage bij hen oproepen. En Kumiko die plotseling beseft dat ze volkomen in de ban is van haar bandgenoot Reina is een buitengewoon voorbeeld.

Toegegeven, deze komt niet neer op de animatie in abstracte zin. Het ongeëvenaarde nabewerkingsteam van Kyoto Animation doet opmerkelijk werk door dit second het gevoel te geven dat een engel zich plotseling openbaart, door de straatlantaarns en passerende auto’s te gebruiken om Reina’s haar te omlijsten met een halo van licht, een glinsterende achtergrond van bokeh te creëren en cameraflitsen te simuleren. alsof ze een catwalkmodel is door de handige afstand tussen passerende auto’s. Maar dat zou allemaal niet werken zonder de zorgvuldige aandacht van Kunihiro Hane voor hoe de val van de pony van een personage hun gezicht kan omlijsten of verbergen, of voor de sierlijke overgang van emoties van Reina’s neergeslagen, meegaande glimlach naar haar trotse, bijna uitdagende oogcontact. en dan met een zwierige hoofdkanteling, alsof Reina Kumiko uitnodigt voor een of ander grappig geheim. Een perfecte samensmelting van animatie en belichtingsnawerkingen, waarbij elke wijziging van de originele tekeningen bedoeld is om de onderliggende kracht ervan te versterken en te vieren.

Regenboogvuurvliegjes: Het gewicht van de tijd (Shinji Hashimoto)

In een movie die over het algemeen boordevol prachtige karakterrijke animaties zit, is Shinji Hashimoto’s weergave van een gesprek tussen een jonge jongen en een oude man op de rand van de vernietiging van hun dorp absoluut mijn favoriet. In hun gesprekken komt het gewicht dat de leeftijd op ons drukt fysiek tot uitdrukking, duidelijk in de zware, uitgesproken bewegingen van de dorpsoudste, en in het aan fatalisme grenzende zelfvertrouwen waarmee hij voor zich uit staart in de duisternis.

In de aarzelende bewegingen en de onstabiele vorm van de jongen wordt een esthetiek van onschuld even tastbaar gemaakt. Zijn kin is ingetrokken, zijn ogen wijd en angstig, zijn houding defensief – alle punten leiden naar hemzelf en brengen zonder woorden zijn angst voor het donker over, zijn verwondering over het onbekende. En de blokkering is web zo doelgericht: de jongen kijkt voortdurend omhoog en naar buiten, waarbij hij alleen de rand van het gezicht van zijn metgezel opmerkt, de nobele maar terugtrekkende kracht van zijn harde kaak en trotse neus. De vorm van de jongen is vloeiend, zijn shirt wappert en zijn ogen herkennen de droefheid onder de woorden van zijn accomplice, maar begrijpen deze niet volledig. In deze reeks communiceren leeftijd en onschuld met perfecte visuele helderheid, vastgelegd in vloeiende maar excellent gekozen lijnen.

Maart komt binnen als een leeuw: Rei’s frustratie (Yuya Kamagai)

Nadat we een tegenstander hebben verslagen die verzonken is in zelfmedelijden over zijn middelmatige shogi-fortuinen, barst onze hoofdpersoon Rei eindelijk los en racet hij naar een leeg park, zodat hij zijn frustraties de leegte in kan schreeuwen. Als je wilt slagen, waarom oefen je dan niet more durable? Hoe kan Rei de schuld krijgen van jouw ongeluk, terwijl shogi het enige ter wereld is waar hij goed in is? Waarom zou hij zich slecht moeten voelen over het winnen, waarom is het beschamend om zoveel om dit spel te geven waar we allebei duidelijk dol op zijn?

Rei’s bewegingen zijn kort, schurend en toch gepassioneerd – zelfs als hij zijn volledige frustratie en wrok loslaat, houdt hij zijn lichaam nog steeds stevig ineen, alsof er een kooltje in zijn maag brandt, alsof hij er zelfs in zijn woede nog steeds voor zorgt dat hij dat niet doet. Neem niet te veel ruimte in beslag. Shut-ups van tanden en zweet contrasteren met het idyllische schemerlandschap, een distinction dat Rei inherent beschaamt vanwege zijn passie, waardoor hij visueel wordt uitgedaagd de kamer te lezen. De grillige verschuivingen in de compositie, gebruikelijk bij Studio SHAFT-producties, zijn hier verbonden met Rei’s emotionele pieken, een voortrollende reeks van ‘en nog iets’-toevoegingen die gepaard gaan met de verschuiving in het body. Gehuld in zonlicht na de productie en wolken van ijzige adem, wierpen Rei’s uitbarstingen hem op als een uit de zee geboren wezen dat kronkelde om door het oppervlak te breken, waarbij het zonlicht een wrede echo vormde van March’s aanhoudende verdrinkingsbeelden. Een perfecte samensmelting van animatie en dramatische intentie, nog versterkt door het opwindende geluidsontwerp van de reeks.

Het verhaal van prinses Kaguya: De prinses vlucht (Shinji Hashimoto)

Nog een voor de hand liggende keuze, maar wie kan de hartstochtelijke emotie ontkennen die in de wilde penseelstreken van deze vlucht schuilgaat? Omdat ze volkomen gedesillusioneerd is geraakt door het leven in het paleis en heeft geleerd dat ze in wezen slechts een gevangene is die als politiek onderhandelingsmiddel kan worden gebruikt, koken Kaguya’s woede, eenzaamheid en wanhopige honger naar huis allemaal over, waardoor ze het kasteel uit wordt gestuurd en verder. , haar losse vorm danst in het bleke maanlicht.

Er is zoveel om van te houden in deze reeks, zoveel complexiteit in elke hectische wending. Het karakterspel van Kaguya’s eerste realisatie is verbazingwekkend; je kunt aan de uitgesproken bewegingen van haar kin en mond zien hoe ze moeite heeft om te slikken, je kunt de shockovergang zien naar eerst verdriet en dan woede terwijl ze de waarheid van wat ze hoort afweegt tegen de hoop die ze zo lang heeft bewaakt. Dan breekt het allemaal en is haar gezicht voor ons verloren; Ze lease het kasteel uit en verschijnt als een paniekerige vogel die veerachtige jassen om zich heen afwerpt, terwijl haar vorm vervormt in een stroom van wanhopige inktstrepen. Haar race door de bomen is een surprise van perspectief in abstractie, en laat zien hoe beweging zelf continuïteit en gewicht van vorm kan overbrengen, zelfs met zulke minimalistische penseelstreken. Passie, vastberadenheid, een dierlijke woede en een diepmenselijke wanhoop – in deze reeks legt Hashimoto het verlangen naar een verloren huis huge dat de hele carrière van Takahata doordrenkt.

Jouw leugen in april: Verandering in perspectief (Takashi Kojima)

Takashi Kojima animeerde solo deze hele aflevering, waardoor de pieken des te indrukwekkender werden, en de slimme economie van vloeibaarheid niet alleen een kracht, maar een noodzaak. Animatie is een kunst van het aftrekken – het tot leven brengen van stilstaande beelden is zeer arbeidsintensief, en daarom is het vinden van een evenwicht tussen vloeibaarheid en zuinigheid essentieel. In deze reeks nodigt een plotselinge gril uit tot een van die typische adolescente momenten, de momenten waarop je de wereld om je heen voelt trillen en alles voor een kort, glorieus second hyperreëel wordt.

Dat gevoel wordt overgebracht door een combine van zorgvuldige, economische technieken. Gedeeltelijke close-ups weerspiegelen ons fragmentarische begrip van een plotselinge verandering om ons heen, terwijl Kosei’s geest moeite heeft om de acties van deze bijna vreemde Kaori in te halen. Door de focus te verleggen wordt dit gevoel van pogingen om zich te concentreren op wat er achteraf gebeurt verder versterkt, terwijl tegelijkertijd een homemovie-esthetiek wordt opgeroepen die het gevoel versterkt van een scène die vastzit in het geheugen. En dan die losse, onbeschaduwde karaktertekeningen, die de grootsheid van Kaori’s sprong overzetten naar een zachte, herkenbare menselijkheid van overdrijving, voortbouwend op onze natuurlijke neiging om onszelf in vereenvoudigde vormen te zien. Door deze overgang van zorgvuldige, zwaar geproduceerde ‘glamorshots’ naar speels, supervervormd karakterspel wordt Kaori’s punt visueel onmiskenbaar gemaakt: we kunnen allemaal transformeren, we nemen allemaal een second de tijd om de incidentele geneugten van het leven te omarmen. Het vergt gewoon een sprong in het diepe.

Dit artikel was boose mogelijk door lezersondersteuning. Bedankt allemaal voor alles wat jullie doen.